À 82 ans, Catherine Deneuve partage un moment de bonheur inattendu et marquant – Ty

Im Bann der Eisprinzessin: Wie Catherine Deneuve mit 82 Jahren das Schweigen über ihre verbotenen Lieben brach und die Ketten der Macht zerschlug

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Prolog: Das Mysterium hinter der Marmorfassade

Es gibt im europäischen Kino Gesichter, die sich dem Betrachter nicht einfach darbieten, sondern ihn herausfordern. Gesichter, die wie aus antikem Marmor gemeißelt scheinen – vollkommen in ihren Proportionen, unberührt von der Vergänglichkeit des Augenblicks und geschützt durch eine Aura frostiger Distanz. Über sechs Jahrzehnte lang war das Antlitz von Catherine Deneuve die unangefochtene Chiffre dieser unnahbaren Vollkommenheit. Für Generationen von Kinogängern, Regisseuren und Bewunderern verkörperte sie die vollendete Projektionsfläche: die blonde, französische Sphinx, die melancholische Schönheit aus Jacques Demys Die Regenschirme von Cherbourg, die bürgerliche Sadomasochistin in Luis Buñuels Belle de Jour, die kühle Widerstandskämpferin in François Truffauts Die letzte Metro.

Sie war die personifizierte Marianne der Republik, deren Büste in den Rathäusern Frankreichs stand. Sie war die Muse von Yves Saint Laurent, der ihren Körper in strenge Smokings und geometrische Haute Couture hüllte, um ihre skulpturale Unerreichbarkeit noch zu betonen. In einer Medienwelt, die sich zunehmend im voyeuristischen Ausverkauf des Privaten verliert, bildete Deneuve das letzte uneinnehmbare Monument. Sie gab Interviews wie eine Staatsmonarchin: präzise, formvollendet, hochgebildet, aber hermetisch abgeriegelt gegen jede persönliche Neugier. Niemand wusste, was hinter jenen berühmten honigfarbenen Augen vor sich ging, wenn die Scheinwerfer erloschen. Man stempelte sie ab: als kühle Perfektionistin, als kalkulierende Karrieristin, als eine Frau ohne Tränen.

Doch die Zeit ist ein unerbittlicher Demaskierer. Wenn ein Mensch die Schwelle von acht Jahrzehnten überschreitet, wenn die großen Weggefährten einer nach dem anderen in das Reich der Schatten hinübergleiten und die Schatten der eigenen Sterblichkeit länger werden, verliert die Rüstung der Eitelkeit ihren Nutzen. An der Schwelle zu ihrem zweiundachtzigsten Lebensjahr ist etwas geschehen, das die Pariser Kulturwelt in Erstaunen versetzte. Catherine Deneuve hat die Tür zu jenem geheimen Gemach einen Spaltbreit aufgestoßen, das sie zeitlebens mit eisernen Riegeln verschlossen hielt.

Was dort zum Vorschein kommt, ist nicht die Abrechnung einer verbitterten Diva und kein sentimentaler Klatsch für die Regenbogenpresse. Es ist das atemberaubende Porträt einer Frau, die in einer von Männern dominierten Ära einen beispiellosen, fast heroischen Kampf um ihre eigene Souveränität führte. Es ist die Offenbarung einer Liebenden, die intensiver empfand als die meisten ihrer Zeitgenossen, die jedoch eine fundamentale Lektion früher lernte als jede andere: Wer sich in der Liebe selbst verliert, verliert das Recht auf sein eigenes Schicksal. Ihr ganzes Dasein war kein Triumphzug der Kälte, sondern ein lebenslanger, radikaler Balanceakt auf einer messerscharfen Kante – die Kunst, bedingungslos zu lieben, ohne jemals einem anderen Menschen zu gehören.

Kapitel 1: Das Paris der 1960er – Das schüchterne Mädchen im Schatten der Schwester

Um die Entstehung dieser emotionalen Festung zu verstehen, muss man in das Paris der ausgehenden 1950er- und beginnenden 1960er-Jahre zurückkehren. Die französische Hauptstadt vibrierte vor Aufbruchstimmung. In den Jazzkellern von Saint-Germain-des-Prés wurde die Philosophie des Existenzialismus diskutiert, an den Redaktionstischen der Cahiers du Cinéma bereiteten junge Wilde wie Jean-Luc Godard und François Truffaut die Zerschlagung des bürgerlichen Kinos vor, und auf den Boulevards wehte der Wind einer neuen, freieren Generation.

Mitten in diesem kreativen Hexenkessel wuchs Catherine Fabienne Dorléac im gutbürgerlichen 16. Arrondissement heran. Sie entstammte einer Theaterdynastie: Ihr Vater Maurice Dorléac war ein vielbeschäftigter Bühnenschauspieler und Synchronsprecher, ihre Mutter Renée Simonot stand bereits als Kind auf den Brettern des Odéon. Doch in dieser Künstlerfamilie war Catherine keineswegs als der zukünftige Star auserkoren. Diese Rolle gehörte uneingeschränkt ihrer anderthalb Jahre älteren Schwester Françoise.

Françoise Dorléac war eine Naturgewalt: extrovertiert, sprühend vor Lebensfreude, dramatisch, hochbegabt und von einer fiebrigen Rastlosigkeit getrieben. Sie besuchte das renommierte Konservatorium, modelte für Dior und stand bereits vor den Kameras der Nouvelle Vague, während Catherine noch im Schatten ihrer Schwester durch die elterliche Wohnung schlich. Catherine war das scheue, schweigsame Mädchen, das sich hinter Büchern versteckte, die Welt mit großen, wachsamen Augen beobachtete und von Natur aus eine angeborene Scheu vor jeder Form der Zurschaustellung besaß.

Ihre Beziehung zu Françoise war frei von jener zerstörerischen Rivalität, die Geschwisterpaare im Showgeschäft oft heimsucht. Sie waren zwei Hälften derselben Seele – Françoise das lodernde Feuer, Catherine das tiefgründige, spiegelglatte Wasser. Wenn Catherine gelegentlich kleine Filmrollen übernahm, dann fast widerwillig, meist auf Drängen der Schwester oder um sich ein eigenes Taschengeld zu verdienen. Um jede Verwechslung mit der bereits gefeierten Françoise zu vermeiden, legte sie ihren Geburtsnamen ab und wählte den Geburtsnamen ihrer Großmutter mütterlicherseits: Deneuve.

In dieser Phase des zögerlichen Suchens, als die siebzehnjährige Catherine noch nicht wusste, wer sie war und was die Welt von ihr forderte, kreuzte ein Mann ihren Weg, der wie ein Meteorit in ihr geschütztes Leben einschlug und die Architektur ihrer Seele für immer verändern sollte: Roger Vadim.

Kapitel 2: Der Bildhauer der Mythen – Roger Vadim und die grausame Schule des Begehrens

Roger Vadim Plemiannikov war Anfang der 1960er-Jahre der unangefochtene Hohepriester der französischen Sinneslust. Als Regisseur hatte er mit Und ewig lockt das Weib (Et Dieu… créa la femme) im Jahr 1956 nicht nur Filmgeschichte geschrieben, sondern ein globales Phänomen erschaffen: Brigitte Bardot. Vadim verstand es wie kein Zweiter, weibliche Schönheit auf der Leinwand zu inszenieren, sie aus dem bürgerlichen Korsett der Prüderie zu befreien und zu einer weltweiten Projektion des Begehrens zu formen. Er war weltmännisch, charmant, verführerisch, fünfzehn Jahre älter als Catherine und umgeben von der Aura des gefährlichen Lebemanns.

Als der erfahrene Regisseur die blutjunge, fast ätherische Catherine erblickte, sah er in ihr sofort das Rohmaterial für sein nächstes Meisterwerk. Er sah jene seltene, melancholische Zurückhaltung, die im scharfen Kontrast zur wilden Erotik Bardots stand. Vadim umwarb die Minderjährige mit der ganzen Raffinesse eines Mannes von Welt. Für die scheue Catherine war diese Begegnung wie ein Rausch. Sie verliebte sich mit der ganzen Radikalität und Hingabe einer Siebzehnjährigen, packte ihre Koffer, verließ das strenge Elternhaus und zog zu Vadim.

Vadim wurde ihr Liebhaber, ihr Mentor, ihr Pygmalion. Er veränderte ihr Aussehen: Auf sein Geheiß hin färbte die von Natur aus brünette Catherine ihr Haar in jenes legendäre Platinblond, das fortan zu ihrem Markenzeichen werden sollte. Er lehrte sie, wie man sich bewegt, wie man in eine Kamera blickt, wie man den grausamen Rhythmus der Filmindustrie erträgt. Er verschaffte ihr Rollen, unter anderem in seinem Film Laster und Tugend.

Doch die Verbindung war von Beginn an von einem tiefen Ungleichgewicht geprägt. Catherine gab sich völlig hin. Mit neunzehn Jahren wurde sie schwanger – in der konservativen französischen Gesellschaft des Jahres 1963 ein ungeheurer Skandal. Ein uneheliches Kind für eine angehende Schauspielerin galt im bürgerlichen Paris als Karrierekiller und gesellschaftliche Schande. Doch Deneuve bewies bereits damals jenen unbezähmbaren Eigensinn, der ihr gesamtes Leben prägen sollte: Sie weigerte sich, das Kind abzutreiben, und sie weigerte sich, Vadim zu einer überstürzten Heirat zu drängen. Im Juni 1963 brachte sie ihren Sohn Christian zur Welt.

Während Catherine in der Rolle der jungen Mutter aufging und an die Möglichkeit einer großen, freien Künstlerliebe glaubte, lebte Vadim weiterhin nach den Gesetzen des Pariser Bohème-Narzissmus. Treue war in seinem Weltbild ein bürgerliches Relikt, das seiner schöpferischen Freiheit im Wege stand. Das Erwachen für Deneuve kam lautlos, aber vernichtend.

Es geschah nicht in Form eines theatralischen Dramas, sondern als schleichende Demütigung. Vadim begann, sich für eine neue Muse zu interessieren: die junge amerikanische Schauspielerin Jane Fonda, die er nach Paris geholt hatte. Deneuve musste mit ansehen, wie derselbe Mann, der sie geformt, verändert und geschwängert hatte, seine Aufmerksamkeit, seine Kameras und seine Zärtlichkeiten mit derselben Leichtigkeit auf die nächste blonde Schönheit übertrug.

Für Catherine Deneuve war dieser Verrat eine existentielle Zäsur. Sie weinte nicht vor den Fotografen, sie rief keine Pressekonferenz ein, sie inszenierte keinen öffentlichen Eklat. Mit jener stolzen, stummen Entschlossenheit, die zu ihrer zweiten Natur werden sollte, zog sie die Konsequenzen. Sie packte das Nötigste für sich und ihr Neugeborenes, drehte sich um und verließ die Wohnung Vadims für immer.

In diesen schmerzvollen Nächten des Jahres 1964, allein mit einem Säugling in einer Mietwohnung, formulierte Catherine Deneuve im Stillen den ersten unumstößlichen Grundsatz ihrer Existenz: Niemals wieder darf ein Mann die Macht besitzen, mein Fundament einzureißen. Niemals wieder werde ich meine Identität in die Hände eines anderen legen. Sie hatte ihre Unschuld verloren, doch sie hatte etwas Unbezahlbares gewonnen: die Erkenntnis, dass emotionale Abhängigkeit der sicherste Weg in die Selbstaufgabe ist.

Kapitel 3: Das Londoner Missverständnis – Die Blitzhochzeit mit David Bailey

Verletzte Seelen suchen selten die Ruhe; oft flüchten sie in die Bewegung, in den Kontrast, in das grelle Licht einer völlig anderen Welt. Für Catherine Deneuve bot sich diese Flucht im Jahr 1965 in Gestalt einer Stadt, die damals das Epizentrum der globalen Jugendkultur bildete: London.

Während Paris über Nouvelle Vague und Philosophie sinnierte, explodierte im Vereinigten Königreich das Swinging London. Es war die Ära der Mini-Röcke von Mary Quant, der sengenden Gitarrenriffs der Rolling Stones und der revolutionären Bildsprache einer neuen Fotografen-Generation, die das viktorianische Erbe mit grobkörniger Schwarzweiß-Ästhetik in die Luft sprengte. Im Zentrum dieses Hurrikans stand David Bailey.

Bailey war der Prototyp des unverschämten, genialen Cockney-Fotografen aus dem Londoner East End. Er war der Mann, der die Models der Vogue nicht mehr wie leblose Schaufensterpuppen posieren ließ, sondern ihre rohe, sexuelle Energie einfing – Michelangelo Antonioni sollte ihm wenig später in seinem Kultfilm Blow Up ein filmisches Denkmal setzen. Bailey lebte schnell, sprach schnoddrig, schlief wenig und war umgeben von Musikern, Bohemiens und Schönheiten.

Als Deneuve für Roman Polanskis verstörenden Psychothriller Ekel (Repulsion) in London vor der Kamera stand – eine Rolle, in der sie eine junge Frau spielte, die im Wahn der Männerfeindlichkeit zur Mörderin wird –, begegnete sie Bailey bei einem Fotoshooting. Der Funke sprang sofort über. Doch es war keine geistige Seelenverwandtschaft wie mit Vadim; es war der Reiz des absoluten Gegensatzes. Bailey sprach kein Wort Französisch, Deneuve kaum ein Wort Englisch. Sie verstanden sich über Blicke, über die Kamera, über die pure, ungestüme Energie des Augenblicks.

Im August 1965 taten die beiden etwas, das bis heute wie eine absurde Farce in den Annalen der Filmgeschichte steht: Sie heirateten im Standesamt von St. Pancras in London.

Es war die Antithese einer traditionellen Prominenten-Hochzeit. Deneuve trug ein schlichtes, langes schwarzes Kleid ohne Schmuck, Bailey erschien im zerknitterten Pullover ohne Krawatte. Der Trauzeuge war kein Geringerer als Mick Jagger, der im Jeanshemd herumlief. An Catherines Seite stand ihre Schwester Françoise Dorléac, die über das surreale Schauspiel lachte. Die Medien überschlugen sich: Die blonde Schönheit Frankreichs und der wilde Fotograf Englands – das Traumpaar der Pop-Dekade schien geboren.

Doch die Illusion währte kaum länger als das Blitzen der Kameras. Fast unmittelbar nach dem Ja-Wort stellte sich bei Deneuve jenes beklemmende Gefühl ein, das sie zeitlebens wie eine Phobie begleiten sollte: das Gefühl der Einengung.

Das Zusammenleben entpuppte sich als babylonische Sprachverwirrung und existenzielles Missverständnis. Bailey lebte im permanenten Partyrausch, umgeben von einer Entourage aus Groupies, Musikern und Drogenkonsumenten. Catherine sehnte sich nach intellektueller Tiefe, nach Rückzug, nach der Geborgenheit mit ihrem kleinen Sohn Christian. Die Kluft zwischen ihnen war nicht nur geografischer Natur – sie pendelten zwischen London und Paris –, sondern eine fundamentale Divergenz der Lebensentwürfe.

Nach weniger als zwei Jahren war die Ehe de facto am Ende, auch wenn die offizielle Scheidung erst 1972 vollzogen wurde. David Bailey blieb der einzige Mann, den Catherine Deneuve jemals heiratete. Diese Erfahrung impfte ihr eine lebenslange Abscheu gegen das Institut der Ehe ein. Für den Rest ihrer Tage betrachtete sie den Trauschein als eine bürgerliche Falle, als einen bürokratischen Vertrag, der die Liebe nicht schützt, sondern sie erstickt und in Besitzansprüche verwandelt. Sie hatte geheiratet, um frei zu sein – und hatte begriffen, dass die wahre Freiheit nur außerhalb des Gesetzes existiert.

Kapitel 4: Die Flammen von Nizza – Der tödliche Riss durch Françoise Dorléacs Tod

Doch alle Enttäuschungen durch Männer, alle Brüche und Missverständnisse verblassten vor der unvorstellbaren Tragödie, die im Sommer 1967 das Leben von Catherine Deneuve für immer in zwei Hälften spaltete: ein Vorher und ein Nachher.

Im Frühjahr 1967 hatten die beiden Dorléac-Schwestern gemeinsam ihren vielleicht schönsten, strahlendsten Triumph gefeiert. In Jacques Demys bonbonfarbenem Filmmusical Die Mädchen von Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort) tanzten und sangen Catherine und Françoise als die Zwillinge Delphine und Solange Garnier über die Leinwand. Es war ein Meisterwerk der Leichtigkeit, eine Feier der Jugend, der Kunst und der unzertrennlichen Schwesterliebe. Wenn man die beiden in diesem Film sieht, wie sie sich an den Händen halten, die Köpfe synchron neigen und mit strahlenden Gesichtern in die Zukunft blicken, schnürt es einem im Rückblick die Kehle zu. Es sollte ihr Schwanengesang sein.

Am 26. Juni 1967 raste Françoise Dorléac in einem gemieteten Renault 10 über die Autobahn in Richtung des Flughafens Nizza-Côte d’Azur. Sie hatte es eilig, wollte ihren Flug nach London und weiter zu einer Filmpremiere erwischen. Wenige Kilometer vor dem Terminal verlor sie auf regennasser Fahrbahn bei hoher Geschwindigkeit die Kontrolle über das Fahrzeug. Der Wagen schleuderte gegen einen Betonpfeiler, überschlug sich mehrfach und ging sofort in Flammen auf. Françoise war im Wrack eingeklemmt. Augenzeugen versuchten vergeblich, ihr zu helfen; die Rettungskräfte konnten nur noch ihre verkohlte Leiche aus den Trümmern bergen. Sie wurde fünfundzwanzig Jahre alt.

Als die Nachricht Paris erreichte, brach für Catherine Deneuve das Universum zusammen.

Der Verlust von Françoise war nicht einfach der Tod eines geliebten Familienmitglieds; es war die Amputation ihrer eigenen seelischen Wurzel. Françoise war ihr Spiegel gewesen, ihr Schutzschild, ihre Kritikerin, die einzige Person auf dieser Erde, vor der Catherine niemals eine Rolle spielen musste. Mit dem grausamen Tod der Schwester verlor Deneuve ihren emotionalen Fixstern.

Die Trauer drohte sie bei lebendigem Leibe zu verschlingen. Deneuve zog sich monatelang vollständig zurück, konnte kaum sprechen, verfiel in tiefe Depressionen und betäubte ihren unerträglichen Schmerz mit Schlafmitteln und Beruhigungstabletten. Doch das Showgeschäft kennt keine Pietät. Die Kameras forderten ihren Tribut, Verträge mussten erfüllt werden, die Öffentlichkeit verlangte nach ihrem Star.

In dieser Phase der absoluten Verwüstung vollzog sich jene Wandlung, die Catherine Deneuve zu jener Ikone machte, die wir heute kennen. Sie begriff, dass sie zerbrechen würde, wenn sie ihren Schmerz nach außen trug. Also tat sie das Gegenteil: Sie errichtete jene sprichwörtliche Mauer aus Kälte, Distanz und unerschütterlicher Beherrschung. Das berühmte, unnahbare Deneuve-Lächeln – jenes Lächeln, das die Lippen krümmt, ohne jemals die Augen zu erreichen – wurde zu ihrem existenziellen Schutzpanzer.

Fortan trat sie den Männern und der Welt mit einer neuen, fast furchterregenden Reife entgegen. Sie wusste nun mit jeder Faser ihres Seins, dass das Leben brutal, zufällig und erbarmungslos ist. Dass jeder Mensch, den man liebt, im nächsten Herzschlag in Flammen aufgehen kann. Wer einen solchen Verlust überlebt hat, verschenkt sein Herz nicht mehr leichtfertig. Liebe war für Catherine Deneuve fortan kein unbeschwertes Spiel mehr; sie war ein heiliges, aber hochgefährliches Territorium, das man nur betreten durfte, wenn man bereit war, den eigenen Rückzugsort niemals aufzugeben.

Kapitel 5: Marcello Mastroianni – Das Duell zweier Titanen und das verbotene „Nein“

Als Catherine Deneuve 1970 am Set des Films Das größte aller Wunder (Ça n’arrive qu’aux autres) von Nadine Trintignant – einem Film, der bezeichnenderweise vom traumatischen Verlust eines Kindes handelte – auf Marcello Mastroianni traf, begegneten sich zwei verwundete Giganten.

Mastroianni war zu diesem Zeitpunkt der unumstrittene König des italienischen Kinos. Durch Federico Fellinis Meisterwerke La Dolce Vita und 8½ war er zum weltweiten Archetyp des charmanten, melancholischen Verführers geworden. Doch hinter dem weltmännischen Charme verbarg sich ein zutiefst sensibler, oft melancholischer Mann, der von den Erwartungen der Öffentlichkeit und seiner eigenen Zerrissenheit ermüdet war. Marcello war verheiratet mit der italienischen Adligen Flora Carabella, lebte jedoch seit Jahren in einer komplexen, offenen Vereinbarung, die typisch für das italienische Patriarchat jener Zeit war: Er liebte andere Frauen, kehrte aber stets zur Familie zurück. Vor Deneuve hatte er eine leidenschaftliche, zerstörerische Affäre mit der amerikanischen Schauspielerin Faye Dunaway geführt, die daran zerbrochen war, dass Marcello sich weigerte, sich scheiden zu lassen.

Zwischen Deneuve und Mastroianni entflammte eine Leidenschaft von seltener, fast elementarer Wucht. Es war keine flüchtige Affäre am Filmset. Es war das Aufeinandertreffen zweier ebenbürtiger Seelen, die den Ruhm, die Einsamkeit und die Last der Illusionen gleichermaßen kannten. Sie drehten weitere Filme zusammen, darunter Marco Ferreris Skandalfilm Allein mit Giorgio (Liza). Marcello war fasziniert von dieser französischen Frau, die so völlig anders war als die lauten, fordernden Diven, die er bisher gekannt hatte. Deneuve forderte nichts, machte keine Szenen, verlangte keine Eide.

Im Mai 1972 krönte die Geburt ihrer gemeinsamen Tochter Chiara diese Verbindung. Für Marcello Mastroianni schien die Welt vollkommen zu sein. Zum ersten Mal in seinem Leben war er bereit, die heiligen Bande der italienischen Familie zu zerschlagen. Er reiste nach Rom, konfrontierte seine Ehefrau Flora und bat um die Scheidung. Er wollte Catherine Deneuve heiraten, wollte mit ihr ein bürgerliches Leben in Paris und Rom aufbauen, wollte die wilden Jahre hinter sich lassen.

Mit einem Diamantring in der Tasche und dem Stolz eines Mannes, der das größte Opfer seines Lebens gebracht hatte, trat er vor Catherine und machte ihr einen feierlichen Heiratsantrag.

Die Antwort, die er erhielt, erschütterte den italienischen Superstar bis ins Mark seines Wesens.

Catherine Deneuve sah den Mann an, den sie über alles liebte, schüttelte sanft den Kopf und sagte: Nein.

Für Mastroianni brach eine Welt zusammen. Er verstand es nicht. Sein ganzes italienisches Verständnis von Ehre, Liebe und Männlichkeit war darauf programmiert, dass eine Frau, die ein uneheliches Kind geboren hat, nichts sehnlicher wünscht als den Trauring und die gesellschaftliche Legitimation. Doch Deneuve dachte nicht in den Kategorien der römischen Bourgeoisie.

Sie erklärte ihm ihre Beweggründe mit einer Klarheit, die fast grausam wirkte: „Marcello, ich liebe dich als den freien Mann, der du bist. Wenn wir heiraten, werden wir zu einem Ehepaar. Aus Leidenschaft wird Pflicht, aus Hingabe wird Routine, aus Freiheit wird Besitz. Ich will dich nicht besitzen, und ich will nicht, dass du mich besitzt. Der Tag, an dem wir vor den Altar treten, ist der Tag, an dem unsere Liebe zu sterben beginnt.“

Mastroianni war gedemütigt, verletzt und tief verstört. Er zog sich für Wochen zurück, unfähig, die Haltung dieser Frau zu begreifen. Doch die Anziehungskraft zwischen ihnen war stärker als sein gekränkter Stolz. Er kehrte zurück, und sie führten ihre Beziehung ohne Trauschein fort.

Vier Jahre lang lebten sie diese intensive, unkonventionelle Liebe zwischen Paris und Rom. Doch die Risse ließen sich nicht kitten. Marcello, tief geprägt von seiner Herkunft, litt im Stillen unter der unbezwingbaren Unabhängigkeit dieser Frau. Er konnte sie nicht beherrschen, konnte sie nicht domestizieren. 1975 trennten sich ihre Wege in beidseitigem Einvernehmen – ohne Schlammschlacht, ohne Vorwürfe, in tiefer gegenseitiger Achtung.

Bis zu Marcellos Krebstod im Jahr 1996 blieben sie engste Freunde und Vertraute. Als Mastroianni in seinen letzten Tagen in seiner Pariser Wohnung im Sterben lag, war es Catherine Deneuve, die gemeinsam mit der gemeinsamen Tochter Chiara Tag und Nacht an seinem Bett saß und seine Hand hielt, bis er den letzten Atemzug tat. Sie hatte sich geweigert, seine Ehefrau zu werden, doch sie blieb ihm treu bis über die Schwelle des Todes hinaus. Sie hatte bewiesen, dass ein freies Herz verlässlicher sein kann als jeder juristische Vertrag.

Kapitel 6: Das Phantom der Leidenschaft – Johnny Hallyday und das Geheimnis der „Lady Lucille“

Während die Liebschaften mit Roger Vadim und Marcello Mastroianni vor den Augen der Weltöffentlichkeit ausgetragen wurden, existierte im Leben von Catherine Deneuve eine andere, weit geheimnisvollere Verbindung – ein unterirdischer Strom, der fast sechs Jahrzehnte lang floss, ohne dass die Klatschpresse jemals die ganze Wahrheit ergründen konnte.

Die Rede ist von Johnny Hallyday.

Um die Dimension dieser Verbindung zu verstehen, muss man sich vor Augen führen, was Johnny Hallyday für Frankreich bedeutete. Er war nicht einfach ein Rocksänger; er war ein nationales Monument, der „französische Elvis“, ein Halbgott der Arbeiterklasse, der Stadien mit hunderttausend Menschen füllte, Motorräder zu Schrott fuhr, Drogen und Alkohol in rauen Mengen konsumierte und dessen Leben eine endlose Abfolge von Ehen, Skandalen, Insolvenzen und triumphalen Auferstehungen war. Johnny war das personifizierte Chaos, der Inbegriff des wilden, ungezügelten Exzesses.

Deneuve hingegen war das Hohelied der Contenance, die bürgerliche Perfektion, die Königin des Arthouse-Kinos. Auf den ersten Blick hätten zwei Menschen nicht inkompatibler sein können.

Ihre erste Begegnung fand 1961 statt, am Set des Episodenfilms Die Pariserinnen (Les Parisiennes). Sie waren beide blutjung – sie achtzehn, er neunzehn. Zwischen den beiden Teenagern knisterte es gewaltig. Es war der Beginn einer Faszination, die niemals erlöschen sollte. Doch während die Welt erwartete, dass die beiden schönsten Nachwuchsstars der Nation das neue Glamourpaar bilden würden, wählten sie einen völlig anderen, subversiven Weg.

Sie wurden kein offizielles Paar. Sie zogen nicht zusammen, gaben keine Interviews über ihre Liebe und ließen sich nicht auf den Titelseiten der Magazine ablichten. Stattdessen schlossen sie einen Pakt der absoluten Diskretion.

Über fast fünfzig Jahre hinweg war Catherine Deneuve der geheime Fluchtpunkt im turbulenten Leben des Rockstars. Wenn Johnnys Welt wieder einmal in Flammen stand, wenn seine Ehen – mit Sylvie Vartan, mit Babeth Étienne, mit Nathalie Baye, mit Adeline Blondieau – scheiterten, wenn die Dämonen der Sucht ihn in die Knie zwangen, suchte er Zuflucht bei Catherine.

In seiner 1998 erschienenen Autobiografie Destroy widmete Johnny dieser geheimnisvollen Frau ein ganzes, ergreifendes Kapitel. Er nannte sie dort nicht beim Namen; er gab ihr das literarische Pseudonym „Lady Lucille“. Er beschrieb sie als die einzige Frau in seinem Leben, die niemals etwas von ihm verlangte, die niemals versuchte, ihn zu verändern oder zu besitzen, und die immer da war, wenn alle anderen ihn im Stich gelassen hatten.

„Sie ist die Liebe meines Lebens, die im Verborgenen blieb“, schrieb Hallyday in diesen Zeilen. „Sie ist mein Schutzengel, mein stiller Hafen. Wenn alles um mich herum zusammenbricht, genügt ein Anruf bei ihr, und die Welt kommt wieder zur Ruhe.“

Im Pariser Milieu wusste jeder eingeweihte Beobachter, wer sich hinter „Lady Lucille“ verbarg. Legendär ist jene Episode aus dem Jahr 1966: Johnny Hallyday, von Selbstzweifeln und Beziehungsdramen zerrissen, hatte einen schweren Suizidversuch unternommen und lag auf der Intensivstation eines Pariser Krankenhauses zwischen Leben und Tod. Während die Medien das Spital belagerten, schlich sich eine blonde Frau im einfachen Regenmantel durch den Hintereingang an den Wachen vorbei und saß stundenlang schweigend an seinem Bett: Catherine Deneuve.

Sie trug keine Forderungen an ihn heran, sie beanspruchte keinen Platz an seiner Seite bei den gigantischen Konzerten im Stade de France. Sie war der feste Punkt in einem Leben, das sich in permanenter Zentrifugalkraft befand.

Als Johnny Hallyday im Dezember 2017 an Lungenkrebs starb und Frankreich ihm ein monumentales Staatsbegräbnis mit einer Million Menschen auf den Champs-Élysées ausrichtete, saß Catherine Deneuve in der Kirche La Madeleine in den hinteren Reihen. Sie trug eine dunkle Sonnenbrille, sprach kein einziges Wort mit den wartenden Journalisten und gab keine Erklärung ab. Während andere Ex-Frauen und Weggefährten um die Kameras stritten, weinte sie im Stillen um einen Mann, der ihr fünfzig Jahre lang auf eine Weise gehört hatte, die kein Trauschein jemals hätte besiegeln können.

Kapitel 7: Die radikale Philosophie der Autonomie – „Aimer sans appartenir“

Betrachtet man diese Kette von Beziehungen – von Vadim über Bailey und Mastroianni bis hin zu Johnny Hallyday, ergänzt durch leidenschaftliche Episoden mit Regie-Ikonen wie François Truffaut –, dann offenbart sich ein glasklares, radikales Lebensmuster.

Catherine Deneuve war keine Männerhasserin, wie ihr manche bürgerliche Moralisten in den 1970er-Jahren vorwarfen. Sie war das genaue Gegenteil: eine Frau, die die Männlichkeit in all ihren Facetten, ihren Talenten und ihren Schwächen liebte. Doch sie verweigerte sich mit jeder Faser ihres Seins jenem uralten patriarchalen Tauschgeschäft, das Frauen seit Jahrhunderten aufgezwungen wird: Sicherheit und gesellschaftliche Anerkennung gegen den Verzicht auf die eigene Autonomie.

In der französischen Gesellschaft der 1960er- und 1970er-Jahre war ihr Lebenswandel ein permanenter Skandal. Man vergegenwärtige sich die Fakten:

Sie hatte zwei Kinder von zwei verschiedenen, weltberühmten Männern (Christian von Vadim, Chiara von Mastroianni) – und weigerte sich standhaft, einen von ihnen zu heiraten.

Sie zog ihre Kinder als alleinerziehende Mutter groß, finanzierte ihr Leben vollständig aus eigener Kraft und behielt zu jedem Zeitpunkt die absolute Kontrolle über ihr Vermögen, ihre Verträge und ihre Rollenauswahl.

Als 1971 die Debatte um die Legalisierung des Schwangerschaftsabbruchs Frankreich spaltete, gehörte Catherine Deneuve zu den mutigen Unterzeichnerinnen des berühmten „Manifests der 343“ (Le manifeste des 343 salopes) im Magazin Le Nouvel Observateur. Sie erklärte öffentlich vor der gesamten Nation: „Ich habe abgetrieben.“ Damit riskierte sie strafrechtliche Verfolgung und den Ruin ihrer Karriere, um für das Selbstbestimmungsrecht der Frauen über ihren eigenen Körper zu kämpfen.

Deneuves Philosophie lässt sich in jenem prägnanten französischen Satz zusammenfassen, den sie später in seltenen Momenten der Reflexion formulierte:

„Aimer sans appartenir.“ – Lieben, ohne zu gehören.

Für Deneuve war die Liebe ein Geschenk, das täglich neu verhandelt werden muss, ein freiwilliger Akt zweier souveräner Wesen. Der Moment, in dem die Liebe institucionalisiert wird, in dem Erwartungen zu Rechten und Zärtlichkeiten zu Pflichten werden, verliert sie ihre Unschuld. Sie weigerte sich, die Rolle der „Frau von…“ einzunehmen. Niemand sollte sie als Anhängsel eines berühmten Mannes definieren. Wenn sie an der Seite von Mastroianni über die Croisette in Cannes schritt, war sie nicht die Begleiterin des italienischen Stars; sie war Catherine Deneuve.

Diese Haltung forderte einen hohen Preis. Sie brachte ihr den Ruf der Gefühlskälte ein. Männer, die es gewohnt waren, dass Frauen sich um sie drehten, verzweifelten an ihrer Unerreichbarkeit. François Truffaut, der sie während der Dreharbeiten zu Das Geheimnis der falschen Braut (La Sirène du Mississipi) abgöttisch liebte, erlitt nach dem Ende ihrer Liaison einen schweren Nervenzusammenbruch und musste in eine psychiatrische Klinik eingeliefert werden. Er hatte versucht, sie ganz zu besitzen – und war an der gläsernen Wand ihrer Autonomie zerschellt. Später goss er diesen Schmerz in das Drehbuch von Die letzte Metro, wo er ihr eine Rolle auf den Leib schrieb, die genau diese unbezwingbare Würde zelebrierte.

Deneuve wusste um die Verwüstungen, die sie anrichtete. Doch sie wusste auch, dass die Alternative – die Unterwerfung unter den Willen eines Mannes – ihren künstlerischen und menschlichen Tod bedeutet hätte.

Kapitel 8: Die Kunst des Kinos als seelisches Refugium

Woher nahm diese Frau die Kraft, diese lebenslange Einsamkeit der Souveränität zu ertragen? Die Antwort liegt in ihrer einzigen wahren, unzerstörbaren Leidenschaft: der Kunst des Kinos.

Für Deneuve war die Leinwand niemals ein Ort der Eitelkeit, sondern ein ritueller Raum der Befreiung. In ihren Filmen lebte sie jene emotionalen Extreme aus, die sie sich im realen Leben aus Selbstschutz versagte. Unter der Regie von Meistern wie Luis Buñuel, Roman Polanski, François Truffaut, André Téchiné, Lars von Trier und François Ozon durchmaß sie das gesamte Spektrum der menschlichen Existenz.

In Buñuels Belle de Jour (1967) spielte sie Séverine, die bürgerliche Arztgattin, die sich tagsüber in einem Pariser Nobelbordell den dunkelsten Fantasien hingibt. Es war ein Film, der die heuchlerische Moral der Bourgeoisie entlarvte – und den Deneuve mit einer solchen Kälte und Hingabe zugleich spielte, dass er zum Welterfolg wurde. Buñuel nannte sie später „eine Madonna, die fähig ist, die schwärzesten Sünden zu begehen, ohne ein einziges Haar zu krümmen.“

In Régis Wargniers Epos Indochine (1992) verkörperte sie die Plantagenbesitzerin Éliane Devries – eine Herrscherin über ein zerfallendes Kolonialreich, die zwischen der Liebe zu einem jungen Marineoffizier und der Loyalität zu ihrer Adoptivtochter zerrissen wird. Für diese darstellerische Meisterleistung erhielt sie eine Oscar-Nominierung als beste Hauptdarstellerin.

Das Kino war für Catherine Deneuve der Ort, an dem sie ungestraft verletzlich sein durfte. Hinter den Figuren, die andere für sie schrieben, konnte sie jene Tränen vergießen, die sie in ihrem Privaterleben seit dem Tod ihrer Schwester Françoise hinter einer Festungsmauer verschlossen hielt. Die Kamera war ihr treuester Geliebter: Sie forderte keine Rechenschaft, sie stellte keine Besitzansprüche, sie fing lediglich das Licht ein, das von dieser außergewöhnlichen Frau ausging.

Kapitel 9: Der Schlaganfall von 2019 – Der Tag, an dem der Körper rebellierte

Dass diese eiserne Disziplin, das jahrzehntelange Kettenschaukeln zwischen Dreharbeiten, Zigarettenkonsum und emotionaler Selbstkontrolle nicht spurlos an einem Menschen vorübergeht, forderte im November 2019 seinen unausweichlichen Tribut.

Deneuve stand mitten in den Dreharbeiten zu dem Drama De son vivant (In Liebe lassen) unter der Regie von Emmanuelle Bercot. Die Szene spielte bezeichnenderweise in einem echten Krankenhaus in Garges-lès-Gonesse nördlich von Paris. Plötzlich versagten ihre Worte, ihr Arm wurde taub, ihr Blick verschwamm.

Es war ein ischämischer Schlaganfall.

Die Ironie des Schicksals wollte es, dass sie sich in genau jenem Moment in einer Klinik befand, sodass die Notärzte binnen von Sekunden eingreifen konnten. Dennoch stand Frankreich für Tage unter Schock. Das Unzerstörbare, das ewige Denkmal der Republik, hatte einen Riss bekommen. Wochenlang bangte die Nation um ihr Idol.

Die Rekonvaleszenz war langwierig und forderte der Schauspielerin alles ab. Doch wer geglaubt hatte, Deneuve würde sich nun in den Ruhestand flüchten, sah sich erneut getäuscht. Kaum hatte sie die Kontrolle über ihren Körper und ihre Stimme zurückgewonnen, kehrte sie ans Filmset zurück und beendete die Dreharbeiten.

Doch dieser Nahtoderfahrung veränderte etwas in ihrem Wesen. Die körperliche Verwundbarkeit zwang sie dazu, jene letzte Barriere niederzureißen, die sie ihr Leben lang aufrechterhalten hatte: die Weigerung, über die eigene Vergänglichkeit nachzudenken. Der Schlaganfall machte ihr unmissverständlich klar, dass die Zeit des Schweigens abgelaufen war.

Kapitel 10: Die Bilanz mit 82 Jahren – Frieden mit den Schatten

Heute, mit zweiundachtzig Jahren, blickt Catherine Deneuve von den Fenstern ihrer weitläufigen Wohnung im Pariser Viertel Saint-Germain-des-Prés auf die Dächer jener Stadt, die sie zur Königin gekrönt hat.

Die honigblonden Haare sind ein wenig weicher geworden, in ihrem Gesicht zeichnen sich die Linien eines intensiv gelebten Lebens ab, die sie – im Gegensatz zu vielen ihrer Hollywood-Kolleginnen – niemals durch entstellende Schönheitsoperationen zu leugnen versuchte. Sie raucht noch immer ihre geliebten Schlank-Zigaretten, geht noch immer ins Kino, besucht Kunstausstellungen und dreht nach wie vor Filme.

Doch in ihren seltenen Äußerungen der Gegenwart schwingt ein neuer Tonfall mit: ein Tonfall der vollkommenen, versöhnten Gelassenheit.

Wenn sie heute auf die Männer ihres Lebens angesprochen wird – auf Vadim, der sie formte und verriet; auf Bailey, mit dem sie das Abenteuer der Jugend wagte; auf Marcello, der der Vater ihrer geliebten Chiara war; auf Johnny, der ihr Fels in der Brandung blieb –, dann liegt darin keine Bitterkeit mehr. Es gibt kein Bedauern über das, was hätte sein können.

„Ich bereue nichts von dem, was ich getan habe“, ließ sie kürzlich in einem nachdenklichen Moment durchblicken. „Ich habe Männer geliebt, ich habe gelitten, ich habe Freuden erlebt, die man mit Worten nicht beschreiben kann. Aber das Wichtigste ist: Ich bin immer ich selbst geblieben. Kein Mann auf dieser Welt kann von sich behaupten, dass er mich besessen hat. Mein Leben gehörte mir – vom ersten bis zum letzten Tag.“

Dieses späte Bekenntnis ist kein Triumphgeheul, sondern das stille Resümee einer Überlebenden. Deneuve hat begriffen, dass die wahre Größe eines Menschenlebens nicht darin besteht, wie viele Trophäen man im Schrank stehen hat oder wie viele Menschen einem ewige Treue geschworen haben. Sie besteht darin, wie treu man sich selbst geblieben ist, wenn die Stürme des Lebens über einen hereinbrechen.

Ihre Kinder Christian und Chiara sind heute selbst gestandene Persönlichkeiten in der Filmwelt, ihre Enkelkinder umgeben sie mit Wärme. Die Familie, die sie einst auf so unkonventionelle, skandalträchtige Weise gegen alle Widerstände der bürgerlichen Gesellschaft gründete, ist heute ihr sicherster Rückzugsort. Sie hat bewiesen, dass man eine Familie nicht auf einem Trauschein errichten muss, sondern auf Respekt, Wahrheit und gelebter Freiheit.

Epilog: Das ewige Leuchten der Unerreichbaren

Die Geschichte von Catherine Deneuve ist weit mehr als die Biografie einer weltberühmten Schauspielerin. Sie ist ein monumentales Lehrstück über die Bedingungen der Freiheit im Angesicht der Liebe.

Wir leben in einer Gegenwart, die von einer eigentümlichen Sehnsucht nach totaler Transparenz und Vereinfachung geprägt ist. Auf den Bildschirmen der sozialen Medien wird jedes Gefühl in Echtzeit zerlegt, jede Beziehung gelabelt, jeder Schmerz zur Schau gestellt und jede Schwäche monetarisiert. Die moderne Gesellschaft gaukelt uns vor, dass Liebe bedeutet, mit dem anderen zu verschmelzen, keine Geheimnisse mehr zu haben, sich gegenseitig vollständig zu durchdringen und zu kontrollieren.

Catherine Deneuve hält dieser verarmten Vorstellung von Zwischenmenschlichkeit ein königliches Vorbild entgegen.

Sie erinnert uns daran, dass das Geheimnis die Seele der Leidenschaft ist. Dass ein Mensch nur dann wahrhaft geliebt werden kann, wenn man ihm jenen unberührbaren Raum zugesteht, in den niemand hineinregieren darf. Sie hat vorgelebt, dass man das Herz eines anderen Menschen nicht wie ein Eigentum verwalten kann; man kann es nur wie einen seltenen Vogel auf der offenen Handfläche halten. Schließt man die Hand zur Faust, stirbt der Vogel. Lässt man die Hand offen, bleibt er freiwillig – oder er fliegt davon, hinterlässt aber den Zauber seiner Gegenwart.

Catherine Deneuve hat die Hand immer offen gehalten. Manche Männer sind fortgeflogen, manche sind verbrannt, manche blieben ihr ganzes Leben lang im Flugkreis ihrer Zuneigung. Doch sie selbst blieb unerschütterlich auf ihrem Felsen stehen.

Wenn in den Kinosälen dieser Welt das Licht erlischt und ihr Antlitz über die Leinwand gleitet – ob in Schwarzweiß oder Technicolor, ob als Siebzehnjährige oder als Achtzigjährige –, dann sehen wir nicht nur eine begnadete Schauspielerin. Wir sehen eine Frau, die den Mut besaß, den Preis für ihre eigene Krone selbst zu bezahlen. Eine Frau, die uns mit jenem unsterblichen, melancholischen Blick daran erinnert, dass die größte Heldentat unseres Daseins darin besteht, das eigene Herz vor den Fesseln der Welt zu bewahren.

Sie war, sie ist und sie bleibt: die Schöne des Tages, die Königin der Nacht und die unangefochtene Herrscherin über ihr eigenes Reich.